Cursos Regulares

Asignaturas

Síntesis del trabajo que el alumno realizará en el primer curso. Dentro de la metodología de la formación del alumno se trabajan muchas otras variantes no incluidas en este Resumen – Esquema.

1r Curso - LA BOBINA


Interpretación I:

Improvisación, texto, sonido, aprendizaje de movimiento, actuación ante la cámara, la imaginación, caracterización de personajes, proceso de casting, el actor creador, la credibilidad del actor… La verdad… El actor que es verdad y auténtico…

· Educación Actoral
· Creatividad expresiva
· Imaginación (1)
· El sentido del juego
· Estimulo Competitivo
· La escucha
· Estímulos sensoriales
· Neutralidad
· Menos es más eficaz
· Borrar la mentira, la falsedad, el fraude
· Los “Tics” actorales
· La escucha
· Las emociones
· Trucos para el actor (juegos de miradas, movimientos concretos. Lo que se debe y lo que no se debe hacer en la interpretación)
· La sobreactuación
· Concentración
· La entonación
· La anticipación
· La preparación
· La Pausa
· Las Transiciones
· Trabajo con música
· Trabajo desinhibición (1)
· La realidad del Actor
· Actor Frente a la Cámara
· Ensayo y dirección de actores con el guión realizado
· Improvisaciones
· Trabajo con textos cortos e introducción a la actuación con textos (escena final de curso presentada en público)
· Técnica Sensorial (1)
· Relajación Corporal (1)
· Concentración (1)
· Intensidad y frescura actoral
· Comportamiento enfocado a directores de cine, de casting, productores, etc.

Expresión Corporal I:

La expresión corporal para actores es una disciplina indispensable como complemento para su formación, el actor comunica no solo con la voz sino con todo su cuerpo, es por esto que debe ser explorado, conocido a fondo y trabajado, para así, ser capaz de dotar de mayor capacidad y posibilidades a la hora de interpretar y comunicar.

· Desarrollo de la espontaneidad
· Educación estética
· Abordaje corporal
· Conciencia de uno mismo
· Conciencia de espacio y de los objetos que te rodean
· Sentido del juego
· Técnica corporal instrumental: relajación, concentración, flexibilidad, desinhibición, sensibilización
· Conocimiento del sí (1)
· Control del sí (1)
· Dominio del sí (1)

A nivel corporal: ejercicios y juegos de elasticidad, flexibilidad, movilidad y destreza. A nivel mental: trabajar la reacción, la memoria, la creatividad, la comprensión, la concentración, la imaginación y la imitación igual que la relajación y la psicomotricidad, los sentidos y el equilibrio. A nivel emocional: el conjunto de los distintos ejercicios de la dinámica de grupos y de juegos, al igual que la verbalización de impresiones y vivencias en los ejercicios crea una atmósfera de confianza donde hay sitio para probar, jugar, desarrollar y atreverse. A nivel de comunicación y expresión: todo lo que incrementa la expresión, observación, contacto, la escucha y la comprensión.

Voz I:

Primer nivel del conocimiento y la práctica de los diferentes registros vocales del actor, conocimiento de su voz, dicción, vocalización, respiración, proyección de la voz. La voz como elemento de expresión, etc.

Objetivos generales:Sensibilizar al alumno en el conocimiento y la utilización de su voz para el trabajo teatral. 

Objetivo especifico:Conocer las posibilidades y las dificultades de la voz.

· Conocimiento teórico del aparato vocal
· Improvisación y juego sonoro
· Respiración y todas sus posibilidades
· Relajación activa
· Resonadores
· El canal sonoro
· Tonos vocales
· La dicción
· El cuerpo y la voz
· Niveles de energía corporal
· La relación del espacio y el sonido
· El uso de las imágenes

Técnicas improvisación I:

Trabajo de la técnica de la improvisación. La vida nos exige continuamente que nos adaptemos a las situaciones, es decir, que inventemos sobre la marcha y esto es, precisamente, la improvisación. En las técnicas de improvisación, como en la vida misma, la primera regla es que “no hay regla”. Saber improvisar es imprescindible para los actores.

· ¿Qué es la improvisación?
· La verdad
· Las conexiones
· La sencillez
· Las reglas del juego
· La adaptación
· La “no negación”
· El apoyo
· Escuchar
· Escuchar y responder
· Las ideas preconcebidas
· Estar abierto
· No hables, actúa
· El silencio
· La elección inconsciente
· La creación visual: la innovación
· El personaje
· El actor como editor, director, escenógrafo, efecto de sonido, coreógrafo.

Danza Teatro I:

La danza-teatro se encuentra en el límite entre la danza y el teatro, y se basa en la interpretación del movimiento. Un movimiento que tiene contenido porque está vivo y surge des de la propia honestidad. Se realiza un aprendizaje técnico y creativo paralelamente, uniendo las dos como complementarias.

· La relación con uno mismo
· Cuerpo y respiración
· Cinco ritmos: lírico, fluido, staccato, caótico, silencio
· Coreografías
· Ritmo grupal a partir de dinámicas muy sencillas como caminar todos en uno mismo ritmo
· Improvisación guiada desde pautas que pueden ir de lo más físico a temas relacionados con sensaciones, imágenes, sentimientos,...
· Creación de un solo, escogiendo un tema a desarrollar
· Cuerpo y espacio
· Cinco ritmos
· Entrenamiento corporal y coreografía.

Cultura Teatral I + Personaje:

Metodología: Historia del Teatro desde sus orígenes hasta nuestros días.

· Período Griego: Fiestas Dionisíacas, invención del anfiteatro, actores, cómo eran las representaciones, qué llevaban como vestuario, temas.
· Lectura y comentarios en clase de obras de teatro Griegas, Aristóteles, Séneca, Sófocles, Esquilo, Eurípides, entre otros.
· Edad Media: Estudio de cómo se fue desarrollando el Teatro hasta esta época. Temáticas de las obras, actores, cómo eran los teatros, dónde se representaba, quiénes eran los dramaturgos más importantes. Qué pasaba en los países Europeos a nivel de teatro
· Lectura y comentarios en clase de obras de la época, Shakespeare, Marlowe, escritores franceses (Fedra de Racine, entre otros), etc.
· Siglo de Oro Español, autores, lectura de obras, etc.
· La Comedia de'll Arte en Italia.
· Época contemporánea, a partir de Ibsen, Samuel Beckett, Harold Pinter, etc. Estudio de la escena contemporánea actual, grupos, clasificaciones de éstos, nuevos estilos teatrales, lo “oficial y lo no oficial”, la aparición de la Danza- teatro en Alemania a cargo de Pina Bausch.
· Dramaturgos, directores y grupos de teatro actuales españoles y catalanes. Lo que se está haciendo ahora a nivel Europeo.

2º Curso - LA BOBINA


Síntesis del trabajo que el alumno realizará en el segundo curso. Dentro de la metodología de la formación del alumno se trabajan muchas otras variantes no incluidas en este Resumen – Esquema.

Interpretación II:

El actor y la cámara, el actor en escena, Improvisación, texto, sonido, aprendizaje de movimiento, actuación ante la cámara, lenguaje de película y teatro, caracterización de personajes (2), el actor creador (2), la credibilidad del actor (2).

· Estímulo competitivo (2)
· Creatividad expresiva (2)
· Imaginación (2)
· Neutralidad “menos es más”
· Trabajo con música (2)
· Trabajo desinhibición (2)
· La realidad del Actor
· El Actor orgánico
· Improvisaciones (2)
· Trabajo con textos cortos e introducción a la actuación con textos (2) (escena final de curso presentada en público)
· Técnica sensorial (2 y 3)
· Relajación Corporal
· Los “Tics” actorales
· Concentración (2)
· Comportamiento enfocado a directores de cine, de casting, productores, etc.
· La entonación
· La anticipación
· La preparación
· La Pausa
· Las transiciones
· Gesticulación
· Intensidad y frescura actoral
· La espontaneidad
· Naturalidad ante la cámara
· Enamorar a la cámara
· ¿Qué nos hace especial?
· Coherencia actoral y “sentido común”

El actor ante la cámara:

En 2º curso el alumno finalizará su formación con el RODAJE DE FIN DE CARRERA. 
Rodaje profesional de escenas cinematográficas y/o televisivas. 

El rodaje de fin de carrera estará dirigido por un director de cine o televisión, profesional en activo del medio audiovisual y se rodarán en localizaciones reales según el escenario que indique el guión de cada escena.

1. Puesta en escena: sinécdoque (teoría). Una película es una consecución de miradas desde el inicio al final. Clase teórica introductoria.
2. La cámara (práctica). Romper el respeto, los miedos, ayudarse de la cámara para expresar (ejercicios prácticos que ayudan a perder el miedo a la cámara).
3. Borrar la mentira, la falsedad, el fraude (práctica). Buscar la verdad a través de improvisaciones que se trabajaran a clase. Introducción de los antecedentes del personaje mediante ejercicios prácticos.
4. Unidad mínima del plano (práctica). Desglose de las tipologías de posiciones y movimientos de cámara que el actor debe conocer para dominar un rodaje a través de una breve sesión introductoria de “vértigo” de hitchcock. Cada alumno descubre y experimenta como trabajar en función de la escala del plano.
5. Actor y director (práctica). Relaciones, sinergias, adaptabilidad. Pialat, Polanski, Almodóvar, Zulawski, Cassavettes nos servirán para trabajar la interpretación delante de la cámara de diferentes maneras.
6. Trabajando con el guión (práctica). Trabajo exhaustivo de las posibilidades de intrpretación de un guión.
7. Trabajar con la verdad (práctica). El cuerpo, el gesto, la mirada.
8. Trabajar con la verdad (II) (práctica). El silencio y la intensidad del actor.
9. E montaje interno. El plano secuencia (práctica). Dodfellas, irreversible, boogie nights, caché. El actor orgánico integrado dentro de una unidad de espacio-tiempo.
* Trabajando escenas en plano-secuencia, donde el actor descubre los pros y contras de rodar una escena sin cortes.
10. El montaje (externo) (práctica). Réquiem por un sueño, All that jazz, Lennie. El actor como una parte más dentro de los elementos de una ficción. Trabajo en clase de escenas basadas en el plano-contraplano que se visionarán en la sesión posterior.
11. Linealidad y coherencia del personaje (I) (práctica). La imaginación y creatividad para hacer de la mentira la verdad.
12. Linealidad y coherencia del personaje (II) (práctica). La imaginación y creatividad para hacer de la mentira la verdad.

Expresión Corporal II:

El objetivo de este segundo curso (además de profundizar y perfilar lo que el actor a trabajado en primer curso) es afinar los sentidos, darse cuenta de lo que se percibe aquí y ahora. El contacto sensorial actual con los sucesos internos en el presente y el darse cuenta de las fantasías son otros de los objetivos.

· Toma de conciencia (darse cuenta de lo que sucede)
· La espontaneidad (por libre voluntad)
· La creatividad (se relaciona con la identidad personal)
· Las relaciones con lo otro y con los otros
· Educación estética (2)
· Abordaje corporal (2)
· Conciencia de espacio y de los objetos que te rodean (2)
· Técnica corporal instrumental: relajación, concentración, flexibilidad, desinhibición, sensibilización (2)
· Conocimiento del sí (2)
· Control del sí (2)
· Dominio del sí (2)

A nivel corporal: ejercicios y juegos de elasticidad, flexibilidad, movilidad y destreza. A nivel mental: trabajar la reacción, la memoria, la creatividad, la comprensión, la concentración, la imaginación y la imitación igual que la relajación y la psicomotricidad, los sentidos y el equilibrio. A nivel emocional: el conjunto de los distintos ejercicios de la dinámica de grupos y de juegos, al igual que la verbalización de impresiones y vivencias en los ejercicios crea una atmósfera de confianza donde hay sitio para probar, jugar, desarrollar y atreverse. A nivel de comunicación y expresión: todo lo que incrementa la expresión, observación, contacto, la escucha y la comprensión.

Voz II:

La voz como sonido, técnica vocal y la voz como elemento de expresión. Vocalización y dicción.

Objetivos generales: Profundizar e integrar todos los conocimientos del primer nivel.

Objetivos específicos: Controlar, conocer y utilizar la voz al servicio de un personaje o una situación teatral, televisiva y cinematográfica.

· La voz y la relajación
· La voz y la emoción
· La voz en movimiento
· La escucha. El diálogo
· El cuerpo que escucha
· Los impulsos del sonido y la dirección
· Niveles de energía vocal: televisión, cine y teatro
· Caracterización de la voz: diferentes personajes a través de los timbre vocales
· Dicción y texto

Danza Teatro II:

En segundo curso, el alumno ya esta preparado para que se pueda profundizar en su trabajo actoral. El objetivo de este segundo curso es conectar con la sutilidad y sensibilidad estando en contacto permanente con el cuerpo. Potenciar la flexibilidad de pensamiento, emoción y acción evitando la racionalidad excesiva.

Los ejercicios se focalizarán en trabajar la relación entre el intérprete y su vida interna, intérprete y compañeros, intérprete y público. Crear una sintonía con el grupo entrando dentro de un mismo ritmo grupal. Esta estructura rítmica será la que creará una relación directa con el público. Entrenamiento del cuerpo como instrumento de trabajo mediante ejercicios de respiración, recolocación de la postura, flexibilizar y fortalecer la musculatura, liberar tensiones.

· Improvisación, introduciendo el trabajo en pareja
· Creación de dúo, desarrollando un tema común
· Tiempo, dinámica y energía
· Cinco ritmos
· Entrenamiento corporal y coreografía
· Improvisación grupal
· Creación grupal, desarrollando una temática común

Técnicas improvisación II:

Continuación en un segundo grado de el trabajo actoral de la técnica de la improvisación. El actor profundizará rigurosamente todos aquellos temas trabajados en 1r curso, el objetivo de la asignatura es profundizar conocimientos adquiridos sobre la improvisación, más riesgo a la hora de trabajar y rigurosidad.

”El actor como editor, director, escenógrafo, efecto de sonido, coreógrafo.”

· La verdad
· Las conexiones
· La sencillez
· La adaptación
· La “no negación”
· El apoyo
· Escuchar
· Escuchar y responder
· Las ideas preconcebidas
· Estar abierto
· No hables, actúa
· El silencio
· La elección inconsciente
· La creación visual: la innovación
· El personaje

Practicum Escenas:

Esta asignatura es una práctica constante de escenas teatrales y cinematográficas. Durante el transcurso del curso los alumnos trabajarán los diferentes puntos para la creación de escenas.

· La relación entre los personajes
· La relación de los personajes con el entorno
· La situación de los personajes
· Conciencia clara de qué está sucediendo
· Consciencia de movimiento
· Mantener la acción
· Las pequeñas cosas se convierten en grandes maravillas
· Realismo en escena
· Verosimilitud en escena
· La realidad del actor
· La verdad
· No hables, actúa
· Escuchar y responder
· Apoyo, confianza: el compañero
· Ahora te toca a ti (escucha todas las intervenciones)
· Los personajes
· La coordinación de los diferentes elementos en escena
· Las pausas
· El silencio es ORO
· Sé concreto
· La grandeza de los silencios
· La justificación. No hay errores
· La mirada y complicidad
· El cuerpo relajado
· El trabajo en grupo
· Menos es más. La sobreactuación
· La voz y la importancia
· La entonación
· El susurro.